Художественное наследие

Форум » Мезонин » Художественное наследие » Ответить

Художественное наследие

Gata: "Не бойся совершенства, тебе его не достичь никогда". Сальвадор Дали Тема об изобразительном искусстве - во всех его гранях.

Ответов - 139, стр: 1 2 3 4 5 6 7 All

Falchi: Администрации большое спасибо за темку

Falchi: Четвертой Харите посвящается)) «Дизайнером, так же как и художником и рекламистом, должно руководить страстное желание освободить духовные ценности от ограниченности» Баухауc — новое единство искусства и технологии. Высшая школа промышленного искусства, одна из самых влиятельных школ архитектуры и дизайна.В свое время Гропиус, Клее и Кандинский создали целый стиль и превратили фабрику идей для зарождающейся промышленности в объект вдохновения дизайнеров. Без первопроходческих идей творцов баухауза история дизайна была бы иной. Хотя ко времени его формирования слова «дизайнер» в обиходе еще не было. Основатели этой школы называли себя более скромно — «разработчиками форм» Цель дизайнерской деятельности представители Баухауcа видели в преображении форм реального мира. Они считали, что главная задача дизайнера — создание промышленных форм и их систем с позиций высокой ответственности перед человеком и обществом. По мнению Вальтера Гропиуса, основателя и руководителя Баухауcа, дизайнер должен осознавать ответственность перед развитием культуры. Гропиус отбирал преподавателей из людей, которые разделяли его убеждения относительно единства искусства, ремесла и техники. По его мнению, художники должны конструировать картины как архитекторы, работающие над своими проектами. В качестве преподавателей Гропиус приглашал людей одарённых, творчески смелых, одержимых поиском новых путей развития художественной школы в области: архитектуре, промышленном дизайне, текстиле, керамике, фотографии или живописи. Йоханнес Иттен — один из самых влиятельных преподавателей. Его вводный курс знакомил студентов с фундаментальными свойствами форм, их пластикой и средствами выразительности заложил основу системы художественного образования. Иттен считал, что степень воздействия произведения искусства определяется не только выразительностью композиции вещи, но и тем состоянием, в котором художник его создавал. Главное в своих занятиях со студентами он видел в эмоционально-чувственном воспитании, умении контролировать себя и свои движения, творческую энергию. Цикл упражнений 1921-1922 годов начинался с дыхательной зарядки и тренировки моторики: студенты выполняли круговые, зигзагообразные и волнообразные движения рук. Одно из частых заданий, композиции углем на больших листах бумаги, делалось с закрытыми глазами. Другое излюбленное задание Иттена — графические контрасты. Тема контраста формулировалась письменно. Например: право — лево, свет — тьма, линия — пятно и т. д. Затем начинался поиск графического выражения того или иного типа контрастов, с использованием заданных форм. Третий цикл упражнений был посвящен объемным композициям и рельефам. На нем студенты учились пониманию объемной формы, позитива и негатива поверхности, выполняя построение рельефа из разнородных фактур и материалов. Свалки мусора поставляли разнообразные материалы и неограниченные варианты их сочетаний. Затем на основе этих натюрмортов студенты выполняли рисунки в различной технике. В 1925 году Гропиус начал строительство трех различных комплексов в Дессау: здания школы, жилых домов мастеров и поселка Дессау-Тортен. Новое здание школы было выстроено в том же 1925 году. У этого здания не было традиционного фасада. Образуя в плане букву «L», оно делилось на три части. Пространство комплекса разделялось на область коллективных мастерских, крыло мастерских художников, перемычку-мост, в которой расположились администрация и архитектурное бюро, и крыло, отведенное под технические службы и собственно школу Баухауc. Каждое из этих трех крыльев, сконструированное совершенно по-разному, в своем внешнем облике отражало ту функцию, которая отводилась ему в школе. Горизонтальные и вертикальные элементы здания были тщательно уравновешены, и эта стабильная асимметрия создавала удивительную динамику. Выполняя этот проект, Гропиус стремился осуществить давнюю мечту о примирении человека и техники. Преподаватели, так же как и студенты, жили в пределах территории школы. Студенты — в общежитии, преподаватели — в отдельных коттеджах. Внутреннее оборудование и мебель для школы, общежития и коттеджей проектировались и выполнялись студентами и педагогами. Перекидной корпус-мост не только служил переходом, но и вместил в себя архитектурное отделение. Шестиэтажное общежитие для студентов выглядело как современный дом с небольшими балконами. А неподалёку от главного корпуса, среди сосен, располагались коттеджи для преподавателей и директора. И хотя все коттеджи были построены из одинаковых кубов, в каждом случае эти фигуры соединялись по-разному. В результате здания отличались сугубо индивидуальной «внешностью», а в некоторых своеобразное сочленение объёмов даже позволило устроить на крыше открытую террасу. ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ - Баухаус, совместно с институтом психологии проводили исследования на предмет воздействия цвета на психологию. Результатом исследования являются цветные моющиеся обои. - В 1927 году Баухауc издает первый каталог стандартизированной мебели, выпускаемой в его мастерских. Появляется мебель нового типа — трансформируемая, складная. Например: складные стулья с металлическим каркасом, столы убирающиеся один в другой, сборно-разборные табуретки и многие другие функциональные предметы быта. - В 1929 году, в честь десятилетия школы, в Цюрихе была устроена большая выставка Баухауcа. Среди проектов того времени: обстановка народной квартиры. Студенты большое внимание уделяли дешевизне производства и ограничению числа необходимых деталей. Среди такой мебели были складные деревянные столы и стулья, а также шкаф для холостяка. - В 1924 году был построен Дом Трус Шрёдер. Жилое пространство этого дома, могло трансформироваться при помощи сдвижных стен. - В 1924 году термин «функционализм» вошел в Баухауc, чтобы навсегда остаться в школе. Это слово никогда не получало в Баухауcе точного определения, но было призвано отразить хрупкое равновесие между целесообразностью, материалом и формой, применительно к реальному объекту. - Те кто делали Баухауз: В Гропиус, X Майер, Мис ван дер Роэ, И Иттен, В Кандинский, П Клее, Л Мохоль-Надь, И Альберс, О Шлеммер, П.Модриан. - В 1932 году школа была закрыта нацистами, педагогический коллектив Баухаус распущен. Многие из них навсегда покинули Германию и уехали в США, некоторые остались на родине и преподавали в художественных вузах страны. - Концепция обучения студентов-дизайнеров, заложенная в Баухауз до сих пор активно и повсеместено применяется во всем мире. Баухаус заложил основы понимания Дизайна, как комплексной дисциплины и определил ее основные направления и методику преподавания профессии. Помимо этого, Баухаус внес инновационный художественный вклад в театр, фотографию, графику, шрифт, архитектуру, рекламу, кино — во все направления визуального проектирования и творчества. Сейчас в Баухауcе обучаются около четырех тысяч студентов. Кроме старейшего, архитектурного, подготовка студентов ведется еще на трех факультетах: инженерно-строительном (открывшемся 50 лет назад), дизайна и оформления и факультете по изучению средств коммуникации, основанным в середине 90-х. источник

Olya: Рита, спасибо Было интересно прочесть. Только я не поняла, а к чему эта картинка с глазами? Falchi пишет: Жилое пространство этого дома, могло трансформироваться при помощи сдвижных стен. Ничего себе!

Falchi: ... Единственный момент творчества - это одна двадцать пятая доля секунды, когда щелкает затвор, в камере мелькает свет и движение останавливается Хочу повспоминать работы одного известного и безумно талантливого фотографа - Анри Картье-Брессона. Классик жанра, маэстро Картье-Брессон сотрудничал с ведущими западными изданиями: "Вог", "Лайф" и "Харперс базар". Перед его объективом представали как бытовые сюжеты, так и самые значительные события XX века, как обычные люди, так и важные персоны. Вот имена лишь некоторых из его знаменитых моделей: Ирен и Фредерик Жолио-Кюри (1944), Анри Матисс (1944), Альбер Камю (1944), Поль Валери (1946), Уильям Фолкнер (1947), Трумэн Капоте (1947), Хоан Миро (1953), Жан Ренуар (1960), Андре Бретон (1961), Мэрилин Монро (1961), Ролан Барт (1963), Коко Шанель (1964), Жан-Поль Сартр, Эзра Паунд (1970), Луи Арагон (1971). Об уникальной реакции, удивительном таланте и необычных методах работы Анри Картье-Брессона до сих пор ходят легенды. Например, широко прославилась «невидимость» фотографа – его модели в большинстве и не подозревали, что их снимают (для пущей маскировки Картье-Брессон заклеивал блестящие металлические части своего фотоаппарата черной изолентой). Еще одна «фирменная» особенность Картье-Брессона – окончание работы над фотографией в момент съемки затвора. Он никогда не кадрировал свои снимки и не делал каких-либо других попыток их изменить. Также фотограф известен тем, что старался снимать любой сюжет в момент достижения им пика эмоционального напряжения, «решающего момента» (выражение, которое с его легкой руки получило в фотографическом мире широкую известность). Для самого Картье-Бресснона «решающий момент» означал «моментальное распознавание, в долю секунды, значимости происходящего и одновременно точной организации форм, что придают этому событию соответствующую ему экспрессию». работы разных лет

Gata: Рита, спасибо за снимки Картье-Брессона! Где трогательные, где с иронией, где полные драматизма - каждое фото это целая история, равнодушным не оставляет. Falchi пишет: Свалки мусора поставляли разнообразные материалы и неограниченные варианты их сочетаний. Затем на основе этих натюрмортов студенты выполняли рисунки в различной технике. Как любит говорить Царапка - когда б вы знали, из какого сора (с) Falchi пишет: В 1927 году Баухауc издает первый каталог стандартизированной мебели, выпускаемой в его мастерских. Появляется мебель нового типа — трансформируемая, складная. Например: складные стулья с металлическим каркасом, столы убирающиеся один в другой, сборно-разборные табуретки и многие другие функциональные предметы быта Мое глубокое ретроградское имхо, Чиппендейл все-таки лучше :)

Falchi: Один из моих любимых фотографов современности - Sabrina Cichy, молодой талантливый автор из Германии. Удивительно нежные, яркие, женственные и нежные образы и свой собственный узнаваемый стиль делают ее работы живыми и незбываемо красвыми. другие работы здесь

Gata: Рита, спасибо за новую порцию красоты Интересно, Сабрина в ФШ доводит свои работы до ума, или сейчас фотоаппараты сразу позволяют расставлять акценты? Моя простенькая мыльница и та может выделять конкретные цвета, а у профессиональной техники всяко возможности шире. P.S. У вас с Сабриной сходные пристрастия в тональной гамме :)

Falchi: Сама Сабрина пишет, что эффекты lдымки достигаются благодаря выдержке, а обработка в ФШ минимальна. Хотя думаю, что цветовые акценты все же добавляются после. Но мне кроме воздушности очень нравится, как она работает над образом и композицией. Вроде ничего особенного, но такое тонкое и удачное попадание всегда. В портретной съемке у нее большое будущее.

Gata: Очень нежно, ага.

Lana: Falchi пишет: Sabrina Cichy Какие работы. Редко бывает, когда нравится абсолютно каждый снимок. Красота. И по ссылке фото очень даже, понравился взмах волосами, когда мне моя девочка с дождем надоест, непременно, тот портрет на аву поставлю.

Falchi: Пленник красоты Можно ли превратить рекламные плакаты, афиши звезд и разномастные постеры, рассказывающие о новой марке духов, порошка или мыла в произведения искусства? Можно ли чудным образом совместить коммерческий успех и безупречный вкус? Можно ли обуздать кричащий провокационный модерн, сделав его тонким, изящным, но оставив оригинальным и ни на что не похожим? Можно ли нравится всем и при этом сохранить себя не пойдя на поводу слащавости? Можно, если ты гений искусства 20 века, неповторимый пленник красоты, удивительный и загадочный Альфонс Муха Альфонс Мария Муха (Alfons Maria Mucha, 1860–1939) родился в чешском городке Иванчице, недалеко от Брно, в семье мелкого судебного чиновника. Здание суда, где работал отец художника, стоит до сих пор, и сейчас в нем открыт музей Мухи-младшего. Мальчик с детства хорошо рисовал и пытался поступить в Пражскую Академию художеств, но безуспешно. После гимназии он работал писарем, пока не нашёл по объявлению работу помощника художника-декоратора в венском «Рингтеатре» и не перебрался в столицу Австро-Венгрии. В Вене по вечерам он посещал курсы рисования и делал первые иллюстрации к народным песням. После того как театр сгорел, Альфонс вынужден был переехать в чешский город Микулов, где писал портреты местных дворян. Там он познакомился с графом Куэн-Беласи -человеком, сыгравшим в его жизни очень важную роль. Муха занимался декорированием графского замка, и аристократ был очарован его работами. В результате Куэн-Беласи стал меценатом молодого художника. Он оплатил Альфонсу два года обучения в Мюнхенской академии изящных искусств. В 1888 году Муха переехал в Париж и там продолжил образование. Многие в то время стремились в столицу Франции — ведь тогда это был центр нового искусства: Эйфель уже сконструировал трехсотметровую башню, шумели Всемирные выставки, а художники ломали каноны и пропагандировали свободу. Однако финансовые дела графа ухудшились, и Муха остался без средств к существованию. Он долгое время перебивался мелкими заказами, пока в его жизни не появилась Сара Бернар - блистательная французская актриса. Возможно, Муха достиг бы успеха и без нее, но кто знает… Сара Бернар на плакате Мухи к спектаклю «Жисмонда». В 1893 году, перед Рождеством, Муха получил заказ на создание афиши к спектаклю «Жисмонда» театра «Ренессанс», которым владела Сара Бернар. Художник изобразил приму, игравшую в спектакле главную роль, на необычном по форме плакате — длинном и узком. Это подчеркнуло ее царственную осанку, распущенные волосы актрисы Муха украсил венком из цветов, в тонкую руку вложил пальмовую ветвь, а взгляду придал томность, создав общее настроение нежности и неги. Ничего подобного до Мухи никто не делал. Чтобы заполучить плакат, коллекционеры подкупали расклейщиков или срезали «Жисмонду» ночью с заборов. Неудивительно, что актриса пожелала познакомиться с автором и заключила с ним контракт о сотрудничестве. В театре Бернар Альфонс работал шесть лет. «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Лорензачио» — все эти плакатные афиши, изображавшие Бернар, были популярны не меньше «Жисмонды». Он придумывал эскизы театральных костюмов и декораций, оформлял сцену и даже участвовал в режиссуре. В конце XIX века театр был центром светской жизни, о нем беседовали и спорили в салонах, в театре дамы демонстрировали новые туалеты и драгоценности, а мужчины демонстрировали дам — в общем, театр был пищей для вдохновения и сплетен. И, конечно, Сара Бернар, а в особенности ее личная жизнь, всегда были объектом внимания журналистов и публики. Поводов находилось предостаточно. Бернар вдохновляла поэтов и писателей, в неё влюблялись мужчины голубых кровей. Оскар Уайльд поэтично называл её «прекрасным созданием с голосом поющих звёзд». Виктор Гюго подарил Бернар бриллиант, символизировавший слезу, которою он не смог сдержать во время спектакля с её участием. Актриса любила подыграть публике. Так, она якобы не знала, кто был отцом её единственного сына, и к негодованию добропорядочных дам называла его «плодом прекрасного недоразумения». За время шестилетнего сотрудничества между актрисой и Альфонсом Мухой возникли тёплые приятельские отношения, о чём свидетельствует их переписка. А любовь? Околдовала ли Муху Сара Бернар так же, как и плеяды многих других мужчин? Конечно, репортеры не обошли молчанием отношения актрисы с чешским художником, тем более, что его имя было по-своему говорящим: так же звали персонажа комедии Дюма-сына «Мосье Альфонс», живущего за счет любовниц. Действительно после заключения контракта с Бернар на Муху посыпались заказы, он приобрёл просторную мастерскую, стал желанным гостем в высшем свете, куда нередко являлся в расшитой славянофильской косоворотке, подпоясанной кушаком. У него также появилась возможность устраивать персональные выставки. Некоторые даже рекомендовал ему поменять имя или подписываться своим крёстным именем — Мария. Однако Альфонсом в том значении, которое вложил в это имя Дюма, Муха не был. В его переписке с Бернар нет и намека на то, о чем судачили в высшем свете. Скорее, это было покровительство, в чём-то, может быть, сродни покровительству старшей сестры. О монументальных исторических полотнах Альфонса Мухи знают немногие, а вот его «женскими коллекциями» мир восхищается до сих пор Мэтр Муха среди женских образов серии «Четыре сезона». Изображение на стене ювелирного бутика в городе Остин, Техас. Украшения «в стиле Мухи» популярны до сих пор. «Les Femmes Muchas» («ле фам Мюша», «женщины Мухи») — томные, пышные и грациозные. Сложное сплетение складок одежды, локонов, цветов, узоров. Безупречная композиция, совершенство линий и гармония цвета. Чешского художника Альфонса Муху, как и многих других художников его времени, пронзила стрела нового искусства. Ар-нуво, или модерн, охватило Европу с начала 1880-х, и только Первая мировая война вернула к прозе жизни любителей прекрасного. Рушились академические нормы, громко спорили искусствоведы, в моду входили восточные мотивы. Живописцы отказывались от прямых линий, на полотнах цвели фантастические лилии, нарциссы и орхидеи, порхали бабочки и стрекозы. Художники ар-нуво верили в возможность достижения гармонии с природой, простоту и умеренность, противопоставляя их викторианской роскоши. Выраженные в искусстве, эти добродетели должны были способствовать гармонизации отношений между людьми — ведь красота представлялась теперь не чем-то отвлеченным, красота стала синонимом истины. И, конечно, фраза князя Мышкина «Красота спасет мир» была начертана на знаменах сторонников всего нового. Одним из первых теоретиков ар-нуво был английский живописец и искусствовед Джон Рескин. Его идеи быстро подхватили британские художники-прерафаэлиты, следовавшие традициям флорентийских мастеров раннего Возрождения («прерафаэлиты», то есть «до Рафаэля»).В их братстве состояли Джон Уильям Уотерхауз , Джон Эверетт Милле , Данте Габриэль Россетти … Те, кем сейчас гордится Англия. Кисть прерафаэлитов создала новый женский образ la femme fatale («ля фам фаталь», «роковой женщины») — таинственный, мистический и прекрасный. Музами художников были Прозерпина, Психея, Офелия, Леди из Шалотт — жертвы трагической или неразделённой любви. А вдохновение живописцы черпали из своей бурной личной жизни. Именно эти образы и очаровали Альфонса Муху. Им были созданы серии «Цветы», «Сезоны», «Искусство», «Время суток», «Драгоценные камни», «Луна и звёзды» и прочие интересные литографии, которые переиздавались в виде почтовых открыток, игральных карт и расходились мгновенно — все они изображали женщин. Муха много работал с моделями, которых приглашал в свою студию, рисовал и фотографировал их в роскошных драпировках. Фотографии моделей он снабжал комментариями — «красивые руки», «красивые бёдра», «красивый профиль»… а потом из отобранных «частей» складывал идеальную картинку. Нередко во время рисования Муха закрывал лица моделей платком, чтобы их несовершенство не разрушало идеальный придуманный им образ. В 1906 году Муха с семьей переехал в Прагу, где приступил к созданию «Славянской эпопеи», которую он считал делом своей жизни, разработал эскиз витража собора Святого Вита и написал много портретов жены, дочери Ярославы, сына Иржи. Муха умер в 1939 году от пневмонии. Причиной болезни послужили арест и допросы в оккупированной немцами чешской столице: славянофильство живописца было столь известно, что его даже включили в именные списки врагов рейха. источник галерея работ

Алекса: Потрясающий художник. Для меня его работы почти осязаемы. Сколько смотрю - не могу оторваться. Спасибо за подборку, Рита.

Falchi: Я тоже его обожаю. В пору юности с несвойственным мне упоением делала его копии, хотя такого рода живопись никогда не была мне свойственна. Все эти завитушки... Но он меня так покорил и очень многому научил.

Роза: В его завитушках есть особая гармония, такая вкусная и сочная. Жизнь бьётся в картинах.

Царапка: Муха красивый, эффектный.

Gata: Много раз встречала эти работы в сети,много сохранила в свою коллекцию для использования в коллажах (когда-нить), но не знала автора. Спасибо, Ритуль! Сегодня гугль празднует юбилей Хуана Гриса. Тоже не знала, заинтересовалась. Оказалось - один из основоположников кубизма. Х. Грис. Кружка пива и карты. Коллаж. 1913 (Прошу прощения за выбор картины - каюсь, картежница и пьяница, именно к этой и легла душа )

Falchi: Советские плакаты времен Великой отечественной войны.

Gata: Рита, спасибо за замечательную подборку! Многие плакаты вижу впервые, но и раньше, и сейчас, самый любимый - "Дойдем до Берлина!"

Falchi: По стилистике мне нравятся очень многие. В СССР такие вещи делали грамотно и красиво.

Четвёртая Харита: Про Баухауз я себе целую книжку купила на Полянке, теперь читаю. Идёт сложновато, но это как и любой учебник. Я как-то слабо представляла сначала, что такого революционного было в этой школе, пока не вчиталась и не поняла суть направленности на массы. Не думалось, что раньше такого просто не было и мир был настолько другим)). Falchi пишет: Советские плакаты времен Великой отечественной войны. Очень здорово. Спасибо, я сразу и не увидела.Мне понравились больше всего часы на запад показывающие, взгляд сам собой дёрнулся влево от экрана. Цельно. Народ и Армия тоже - чувство что не снаряд а ракета во всех смыслах, которая стремится вперёд. Я бы даже сказала плакат на все времена. Дойдём до Берлина - позитивом заряжает, спокойствием и уверенностью. Вспомнился фильм "В бой идут одни старики". Урал фронту, как огонь плавит мощь вражеской армии. С философией плакат. Ну и Родина-мать, конечно, тоже - мурашки по коже всегда бегут. А вот некоторые как с молотом и кровавыми брызгами-пулями не понравились, они работают на подсознательную жестокость, а это остаётся уже и после возвращения из Берлина ИМХО. Ничего кроме негатива к авторам не вызывает.

Falchi: Четвёртая Харита пишет: пока не вчиталась и не поняла суть направленности на массы. Не думалось, что раньше такого просто не было и мир был настолько другим)). Удобно, красиво, для всех, а не только для элиты. Баухауз заложил основы массового дизайна в самом хорошем смысле этого слова. К чести СССР - у нас был ВХУТЕМАС с пресловутой банкой сгущенки и треугольными пакетиками молока с клевером. Это все оттуда.

Четвёртая Харита: Falchi пишет: Удобно, красиво, для всех, а не только для элиты. Баухауз заложил основы массового дизайна в самом хорошем смысле этого слова. Именно, я вот не сразу сообразила, что раньше всё делалось только для определённой категории людей. Живя в мире где все усилия направлены на масс-маркет, а эксклюзив в принципе не встретишь, перенестись в другую систему было сложновато. а веь нынешний мир рекламы создан именно Баухаузом выходит. Falchi пишет: пресловутой банкой сгущенки и треугольными пакетиками молока с клевером треугольные пкеты это вообще здорово в использовании, жалко что сейчас нет. В ССРе было всё-таки много сделанного по уму, а сейчас растеряли.

Falchi: Четвёртая Харита пишет: а веь нынешний мир рекламы создан именно Баухаузом выходит. При его активном участии. И дизайнер как профессия сложилась там же. Еще в СССР почти в один год. Наша школа была одной из лучших в мире. "Клином красным бей белых" - это классика, до сих пор демонстрируемая во всех институтах дизайна как пример удачной и острой композиции. Художники той поры умели мыслить формой и мгновенно доносить нужную идею до зрителей. Что продавать - идею коммунизма или банку супа Кэмпбел вопрос вторичный. Главное - работает. То что не хватает современным дизайнерам, смотришь на рекламу и решаешь ребус, а чего ты хотел сказать? Про чувства вкуса я вообще молчу. Это потеряно, к сожалению, да.

Gata: Falchi пишет: То что не хватает современным дизайнерам, смотришь на рекламу и решаешь ребус, а чего ты хотел сказать? Про чувства вкуса я вообще молчу. Время сейчас какое-то - мелкое, что ли. Нынешнему поколению ни у нас, ни на западе великое не по плечу. В первой четверти прошлого века мир тряхануло так, что мало никому не показалось. Крушение империй, крушение старых культур, но тут же - рождение новых. Смелые яркие идеи. А сейчас мы наблюдаем, как ненасытная гидра западного мира тупого потребления дожевывает мир духовный, цинизм и пошлость стали нормой, и никого уже ничем не удивишь, даже доводя эту пошлость до абсурда.

Falchi: Gata пишет: Крушение империй, крушение старых культур, но тут же - рождение новых. Смелые яркие идеи. Ценности совсем другие. Точнее их сейчас просто нет. Поменяли на комфорт. Пока снова не тряхнет, будет застой ИМХО

Царапка: Антибиотики, снижение рождаемости сделали своё дело.

Falchi: Лучший художник Европы «… Нам открылась откопанная часть сего несчастного города. Мы взошли, у входа сидели сторожа-проводники; один из них предложил нам свои услуги и сказал, что это место был малый форум, или место, где сбирался народ для торга и других публичных дел… Вид сих развалин невольно заставил меня перенестись в то время, когда эти стены были еще обитаемы, когда этот форум, на котором мы стояли одни и где тишина была только прерываема какой-нибудь ящерицей, был наполнен народом… Нельзя пройти сии развалины, не почувствовав в себе какого-то совершенно нового чувства, заставляющего все забыть, кроме ужасного происшествия с сим городом». (Из воспоминаний Карла Брюллова) Случается, что судьба по-разному относится к людям. Кому-то она постоянно улыбается, а к кому-то ни разу не повернется лицом. Многие выдающиеся люди всю свою жизнь тратили на то, чтобы быть первыми в своем деле, но на них никто не обращал внимания, а если и обращал, то не всегда понимал. Многим людям просто везет - они оказываются в нужное время и в нужном месте. Русский живописец Карл Брюллов относится к тем людям, которые постоянно работали, постоянно учились и совершенствовали свое мастерство; он относится к тем людям, от которых не отвернулось общество, говоря, что его картины неправильные или попахивают дурным вкусом, а наоборот, еще при жизни художника общество признало его талант. Маленький Карл увлекался рисованием, это было его любимое занятие. Уже в десятилетнем возрасте он стал студентом Петербургской академии художеств. Здесь он проучился двенадцать лет. Природный дар и обучение у отца сделали для мальчика не сложным постижение наук. Он шел впереди своих соучеников. Его детские шалости не могли помешать в достижении успехов в обучении. Были случаи, когда Карл притворялся больным и, лежа в больнице, писал портреты близких людей. Уже в его ранних работах отмечается огромная энергетика. С детства он подавал большие надежды и от него с “самого детства все ожидали чего-то небывалого”. Надежды были не напрасными. Карл стал великим художником. Работы, написанные Карлом Брюлловым в стенах академии художеств, соответствовали классической живописи. Но вместе с тем, в них ярко просматриваются элементы реализма. Это картины “Улисс и Навзикая”, “Нарцисс”, “Александр 1 спасает больного крестьянина”, “Гений искусства” и “Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского”. За время обучения художник был награжден множеством золотых и серебряных медалей. Ему было сделано предложение стать пенсионером академии с целью дальнейшего развития мастерства. Однако Карл не принял это предложение. В 1819 году он переселился в мастерскую своего брата Александра, который работал вместе с архитектором Исаакиевского собора Монферраном. Целыми днями Карл писал портреты на заказ. Написал он портреты для П.Кикина и А.Дмитриева-Мамонова. Исполнение заказа им очень понравилось. Довольные владельцы портретов вскоре стали членами Общества поощрения художников. Выполнив их следующий заказ – картины “Эдип и Антигона” и “Раскаяние Полиника” – Карл получил пенсионерскую поездку в Италию на четыре года для себя и брата. В 1822 году Карл Брюллов уехал в Италию на короткий срок. Однако жизнь сложилась так, что он прожил здесь тринадцать лет. Возвратившись в Россию, он не смог увидеть ни отца с матерью, ни братьев. Древняя культура и искусство южной страны дали возможность глубоко постичь живопись. Полотно Рафаэля “Афинская школа” вызвало восхищение молодого Брюллова. Четыре года он создавал ее копию. Ценители искусства были поражены созданным им полотном. Мнение их было таким: “Брюллов в ней не только сохранил все краски подлинника, но отыскал, или, лучше сказать, разгадал и то, что похитило у него время”. Посылавшее Брюллова на стажировку в Италию Общество поощрения художников высоко оценило работу молодого художника. Но сам Карл Брюллов окончательно принял решение создавать собственные произведения, а не подражать другим художникам, пусть даже и великим. Вдали от России Карл Брюллов прожил более пятнадцати лет. За это время он создал большое количество полотен, которые выставлялись на многочисленных выставках и получали на них положительные отзывы. С каждым днем имя художника становилось все более известным – заказать у него свой портрет стремился каждый. В 1836 году художник возвращается в Петербург. В Академии художеств его встречали как национального героя. Он сразу же становится профессором Академии художеств. В России художник прожил до 1849 года. В 1850 Брюллов возвращается в Италию, где и проживает всю свою оставшуюся жизнь. Брюллов и жанр портрета За всю свою плодотворную творческую жизнь Карл Брюллов создал большое количество портретов, которые отличаются друг от друга. Отличие состоит в том, что каждый портрет – это новый человек, новое настроение, отношение к нему художника, а значит и разный подход в изображении. Так же по портретам можно проследить, как менялся стиль художника отклассицизма к романтизму, а в поздних портретах можно говорить и о чертах реализма. Не смотря на все эти отличия, в портретах Брюллова есть много общего: его герои привлекательны, они все изображены в счастливый момент своей жизни. Стиль Карла Брюллова Брюллов за годы обучения в Академии получил хорошее классическое образование. Не смотря на то, что приобретенные знания обросли индивидуальностью и собственным пониманием искусства, Карл Брюллов пронес через всю свою творческую жизнь то чувство формы, которое характерно для художников классического периода. На формирование художественного стиля Карла Брюллова повлияло увлечение натурой. Классические каноны не позволяли художнику изображать человека таким, каким он его видит, поэтому художник постепенно отходит от этих канонов. Атмосфера античного Рима не могла пройти мимо художника во время его пребывания в этом городе. В тот период художник обращается к античным и мифологическим сюжетам, но уже к началу 30-х годов данная тематика практически исчезает их творчества художника – он отдает предпочтение портрету. Его произведения первые, которые могут понимать (хотя неодинаково) и художник, имеющий высшее развитие вкуса, и не знающий, что такое художество. Они первые, которым сужден завидный удел пользоваться всемирною славою, и высшею степенью их есть до сих пор - "Последний день Помпеи". Последний день Помпеи 24 августа 79 года произошло мощное извержение Везувия, уничтожившего цветущий город Помпеи, расположенный у подножия вулкана. Более полутора тысяч лет Помпеи оставались погребенными под слоем вулканической лавы и пепла. Впервые город был обнаружен совершенно случайно в конце XVI века при производстве земляных работ. Археологические раскопки начались здесь в середине XVIII века. Они вызывали особый интерес не только в Италии, но и во всем мире. Многие путешественники стремились побывать в Помпеях, где буквально на каждом шагу находились свидетельства внезапно оборвавшейся жизни античного города. В 1827 году в Помпеи приезжает молодой русский художник Карл Брюллов. Отправляясь в Помпеи, Брюллов не знал, что эта поездка приведет его к вершине творчества. Зрелище Помпеи ошеломило его. Он исходил все закоулки города, дотрагивался до стен, шершавых от накипевшей лавы, и, возможно, у него зародилась мысль написать картину о последнем дне Помпеи. От замысла картины до ее завершения пройдет долгих шесть лет. Начинает Брюллов с изучения исторических источников. Он читает письма свидетеля событий Плиния Младшего к римскому историку Тациту. В поисках достоверности художник обращается и к материалам археологических раскопок, некоторые фигуры он изобразит в тех позах, в каких были найдены в затвердевшей лаве скелеты жертв Везувия. Почти все предметы написаны Брюлловым с хранящихся в неаполитанском музее подлинных вещей. Сохранившиеся рисунки, этюды и наброски показывают, как упорно художник искал наиболее выразительную композицию. И даже когда эскиз будущего полотна был готов, Брюллов около десятка раз перегруппировывает сцену, меняет жесты, движения, позы. В 1830 г. художник начал работу на большом холсте. Он писал на таком пределе духовного напряжения, что, случалось, его буквально на руках выносили из мастерской. Наконец, к середине 1833 г. полотно было готово. …Черный мрак навис над землей. Кроваво-красное зарево окрашивает небосвод у горизонта, и ослепительная вспышка молнии на мгновение разрывает тьму. Перед лицом смерти обнажается суть человеческой души. Вот юный Плиний уговаривает мать, упавшую наземь, собрать остатки сил и попытаться спастись. Вот сыновья несут на плечах старика отца, стремясь поскорее доставить драгоценную ношу в безопасное место. Подняв руку навстречу рушащимся небесам, мужчина готов грудью защитить своих близких. Рядом — коленопреклоненная мать с детьми. С какой невыразимой нежностью жмутся они друг к другу! Над ними — христианский пастырь с крестом на шее, с факелом и кадилом в руках. Со спокойным бесстрашием взирает он на пылающие небеса и рушащиеся статуи прежних богов. А в глубине холста ему противопоставлен языческий жрец, бегущий в страхе с жертвенником под мышкой. Такая несколько наивная аллегория провозглашает преимущества христианской религии над уходящей языческой. Слева на втором плане — толпа беглецов на ступенях гробницы Скавра. В ней мы замечаем художника, спасающего самое дорогое — ящик с кистями и красками. Это — автопортрет Карла Брюллова. Самая центральная фигура полотна — знатная женщина, упавшая с колесницы, символизирует прекрасный, но уже уходящий античный мир. Оплакивающий ее младенец — это аллегория нового мира, символ не иссякающей силы жизни. «Последний день Помпеи» убеждает в том, что главная ценность в мире — это человек. Губительным силам природы Брюллов противопоставляет духовное величие и красоту человека. Воспитанный на эстетике классицизма, художник стремится придать своим героям идеальные черты и пластическое совершенство, хотя, известно, что для многих из них позировали жители Рима. Осенью 1833 года картина появилась на выставке в Милане и вызвала взрыв восторга и преклонения. Еще больший триумф ожидал Брюллова на родине. Выставленная в Эрмитаже, а затем в Академии художеств, картина стала предметом патриотической гордости. Ее восторженно приветствовал А.С. Пушкин: Везувий зев открыл - дым хлынул клубом - пламя Широко развилось, как боевое знамя. Земля волнуется - с шатнувшихся колонн Кумиры падают! Народ, гонимый страхом, Толпами, стар и млад, под воспаленным прахом, Под каменным дождем бежит из града вон. Действительно, мировая слава брюлловской картины навсегда уничтожила пренебрежительное отношение к русским художникам, которое существовало даже в самой России. В глазах современников произведение Карла Брюллова было доказательством самобытности национального художественного гения. Брюллова сравнивали с великими итальянскими мастерами. Поэты посвящали ему стихи. Его приветствовали аплодисментами на улице и в театре. Спустя год Французская Академия искусств присудила художнику за картину золотую медаль после ее участия в Парижском Салоне. источник www.karl-brullov.ru

Четвёртая Харита: Gata пишет: Время сейчас какое-то - мелкое, что ли. Нынешнему поколению ни у нас, ни на западе великое не по плечу. Я оптимистка, ИМХО по плечу, просто оно закопано в быте и нужен какой-то толчок. Художики, артисты, режиссёры создают работы либо на изломе эпох либо на их руинах пока отстраивается новое, в сытой жизни чистота восприятия уходит и начинается поиск понтов ради того чтобы показать собственную индивидуальность. Получается демонстрация, пестование себя любимого а не идеи. Это не увлекает и сразу очевидно во всяких инсталяциях желание извернуться. Или просто не понимаю современное искусство, но от него скорее устаёшь. Falchi пишет: Ценности совсем другие. Точнее их сейчас просто нет. Поменяли на комфорт. Пока снова не тряхнет, будет застой ИМХО Знаете, девушки, я пришла к выводу что нам не стоит особо жаловаться. Старушке Европе, кстати, тоже, просто что называется заелись. Самое потребительское общество это США, когда у людей все эмоции подчинены или сочетаются с деньгами. Это ИМХО ужасно, начиная от бесконечных фондов по охране природы, лесов, каких-то тушканов и больных раком, где суть - отмыв денег, но при этом все чувствуют себя счастливыми и великими, подпрыгивают от восторга и восхищения сливаясь в визге с отупевшими от информации массами людей, и заканчивая просто жующими попкорн в Метрополитен-опера. Толерантность опять же. Люди мало способны на квинэссенцию чувств. даже от природы одарённые. Там может в гармонии с собой жить только определённый тип человеческой натуры, в принципе не допускающий мысли заплыть за буйки и принимающий правила игры. Поэтому я относительно довольна увиденным здесь, в Европе и в Африке. Ценности какие-то смутные остались, в США я склоняюсь к тому что их и не было. В большинстве соём столпы исскуства были либо дети эммигрантов из Европы, либо сами эммигранты. Ещё нормально и ничего не потеряно, просто действительно нужна какая-то встряска. Но она врят ли ожидаема в мире глобализации и контроля. Разве что со стороны мусульманских стран вроде Ирана. В Латинской Америки слишком много тепла и бананов, а Африканское население ИМХО вообще мало способно на развитие - все войны туземного уровня. без единой идеи. Да и кто им даст её выработать. Брюллова люблю. На всадницу могу смотреть в Третьяковке часами, такая она живая - вот-вот выпрыгнет. Почему на репродукциях это совсем не чувствуется((. Помпею тоже люблю, но я не согласна с автором картины о счастливом будущем и младенце. У меня обычно наоборот ощущение, что лава сносит всё и ничего не щадит на своём пути, когда смотрю. Страшная картина ИМХО.

Царапка: Четвёртая Харита: согласна с автором картины о счастливом будущем и младенце. я что-то упустила... мне тоже казалось - лава всё снесёт.

Четвёртая Харита: Царапка пишет: я что-то упустила... мне тоже казалось - лава всё снесёт. В физическом смысле-то понятно, я имела ввиду духовный. Автор статьи о том, что неважно снесёт или нет, светлое восторжествует, а у меня всегда ощущение что имеется ввиду прямо наоборот.

Falchi: Четвёртая Харита пишет: У меня обычно наоборот ощущение, что лава сносит всё и ничего не щадит на своём пути, когда смотрю. Страшная картина ИМХО. Мне кажется, что любовь к жизни и к человеку побеждает. Брюллов среди ужаса стихии все же восхваляет красоту человека, его силу и его желание бороться. Смерть не победит в его картинах никогда, как, например у Верещагина, где все сломано и убито. Брюллов мой самый любимый художник. При слове "гений" мне в голову всегда приходит его имя. Мир не знает, не знал и вряд ли когда-либо узнает такой талант. Я не верю в богов, но иначе как божественным его дар назвать не могу. Неповторимо, уникально, завораживающе. Это наша гордость, наше величайшее достояние, которое признал и до сих пор признает весь мир. Наш русский Леонардо

Четвёртая Харита: Falchi пишет: Брюллов среди ужаса стихии все же восхваляет красоту человека, его силу и его желание бороться. Но эта борьба не имеет смысла. Хотя всё же наверное важно кто погиб первым а кто последним, потому что победа всегда важна. В смысле победа над собой, я про страх и спосокойствие ожидания участи и бегство о неё. А с другой - кто знает, лягушка сбившая маслице лапками выбралась всё же.

Gata: Дашуня, ты развернула мою мысль Четвёртая Харита пишет: Брюллова люблю. На всадницу могу смотреть в Третьяковке часами, такая она живая - вот-вот выпрыгнет. Почему на репродукциях это совсем не чувствуется((. Репродукции, во-первых, не передают "чувство полотна", а во-вторых - меньше размером :) Я знакомство с живописью вообще с марок начинала, самая первая - вот эта Спустя десять лет добралась, наконец, и до оригинала в Эрмитаже - ну совсем же другое дело :) И, конечно, помню свои ощущения, когда первый раз увидела в Русском музее "Помпеи", даже ивановское "Явление Христа народу" в Третьяковке так не впечатлило. Зависла, наверно, на полчаса - стояла, смотрела и не могла оторваться. Ритуля, спасибо за рассказ!

Falchi: Четвёртая Харита пишет: Но эта борьба не имеет смысла. Но ведь физическая смерть это еще не все. Точнее для человека, верящего в бессмертие души вообще ничто. Гораздо важнее, что он из себя представляет, каков его духовный внутренний мир. Брюллов продолжает традиции мастеров Возрождения, пошедших наперкор официальной церковной доктрине, где человек представлялся "тварью дрожащей" и ничтожеством по сравнению с Богом и силами природы. Он представляет его красивым, сильным, несломленным. Во всех картинах Брюллова человек - вершина творения, вобравшее в себя все лучшее, что есть в мире. Его нельзя сломать, убить или уничтожить. Gata пишет: Репродукции, во-первых, меньше размером :) Это беда всех репродукций. Они одинаковы по размеру - будь то камерная вещь или масштабное историческое полотно. А художник не зря берет разные форматы для воплощения своей идеи. Ну и энергетика конечно, она ощущается только от живой работы. Gata пишет: ивановское "Явление Христа народу" Оно неокончено. Поэтому выглядит слегка жутковато и неестественно.

Gata: Falchi пишет: Оно неокончено. Поэтому выглядит слегка жутковато и неестественно Угу, помню рассказы экскурсовода. Поскольку я тогда была пионеркой и твердой атеисткой, глубинный смысл картины до меня не дошел, впечатлили только размеры. Господи, как в Третьяковку захотелось! :)

Четвёртая Харита: Falchi пишет: А художник не зря берет разные форматы для воплощения своей идеи. Ну и энергетика конечно, она ощущается только от живой работы. УА я чувствую бывает и от некоторых копий, но по другому, она как эхо. Нет такого посыла который вкладывает художник, придумавший, а рассеивание. Falchi пишет: Гораздо важнее, что он из себя представляет, каков его духовный внутренний мир. Брюллов продолжает традиции мастеров Возрождения, пошедших наперкор официальной церковной доктрине, где человек представлялся "тварью дрожащей" и ничтожеством по сравнению с Богом и силами природы. Он представляет его красивым, сильным, несломленным. Во всех картинах Брюллова человек - вершина творения, вобравшее в себя все лучшее, что есть в мире. Его нельзя сломать, убить или уничтожить. Я понимаю о чём ты и согласна, это к фигуре священника и силе уха. Он несломлен(правда не всякий и по картине виден весь спектр эмоций), но я говорила о ребёнке и матери, как о символах прошлого и будущего. По картине выходит, что гибнет и то и другое. Просто мне показалось немного надуманным заявление составителя статьи, как часто бывает в Третьяковке с автогидом. Или эту парралель прошлое-будущее говорил сам Брюллов и задумка, что всё в итоге будет сметено? Типа Апокалипсиса в местном масштабе. (У меня именно такая ассоциация) (В скобках, разве официальная церковная доктрина - человек тварь дрожащая? Насколько я понимаю наоборот, венец всего, по образу и подобию Божьему, существо достойное родить самого Бога. По крайней мере в христианстве так.) Falchi пишет: Оно неокончено. Поэтому выглядит слегка жутковато и неестественно. Меня оставила равнодушной, хотя я и христианка. Говорили что-то невероятное, а сколько не смотрела - сильных эмоций не вызвало. Портрет Головкина больше захватил.

Falchi: Четвёртая Харита пишет: В скобках, разве официальная церковная доктрина - человек тварь дрожащая? Насколько я понимаю наоборот, венец всего, по образу и подобию Божьему, существо достойное родить самого Бога. По крайней мере в христианстве так В искусстве средневековья в Европе именно тварь. Посмотри картины той эпохи, во-первых, людей практически не изображали, только ангелов, Деву Марию, святых и всегда очень торжественно, всегда "над" остальным миром. Людям в этих картинах отводилась очень маленькая и довольно убогая роль. Художники эпохи Возрождения (Рафаэль, Микеланджело, Леонардо и др) были первыми кто стал ломать эти устои порой идя на открытый конфликт с церковью. В центре их работ - человек. Прекрасный физически и духовно. Брюллов долго жил в Италии и вобрал в свои работы это влияние. Gata пишет: Господи, как в Третьяковку захотелось! :) Угу, я неделю назад как с поезда вышла, так сразу в Третьяковку. И на полдня. Кто куда, а я к прекрасному

Четвёртая Харита: Falchi пишет: В искусстве средневековья в Европе именно тварь. Посмотри картины той эпохи, во-первых, людей практически не изображали, только ангелов, Деву Марию, святых и всегда очень торжественно, всегда "над" остальным миром. Людям в этих картинах отводилась очень маленькая и довольно убогая роль. Художники эпохи Возрождения (Рафаэль, Микеланджело, Леонардо и др) были первыми кто стал ломать эти устои порой идя на открытый конфликт с церковью. В центре их работ - человек. Прекрасный физически и духовно. Брюллов долго жил в Италии и вобрал в свои работы это влияние. Спасибо за экскурс . Не очень я в раннее средневековье знаю, если не сказать больше. Странно однако как-то Библию тогда трактовали.

Falchi: Как надо было, так и толковали. Религия - опиум для народа, что ж поделать. Время такое было.

Царапка: Сегодня по историческому телеканалу «365 дней ТВ» показали фильм BBC "Последний день Помпей". Характерная для канала манера включать художественные сцены в документальный фильм. Получилось очень выразительно. Я, конечно, и раньше о Помпеях читала, видела картину Брюллова, смотрела фильм и читала роман, но сегодня получила сильное впечатление. Способ, выбранный режиссёрами, даёт прочувствовать трагедию до костей. Авторы фантазировали, каковы могли быть последние дни (извержение продолжалось долго) людей, чьи останки найдены при раскопках. Упоминаются и оба Плиния - старший, безрассудно погибший (хотя изначально у него были благие намерения спасти родственника), и младший - тот самый, что на картине Брюллова. Младший оставил записки, которым в то время не верили, но современные научные данные подтвердили их точность, и теперь извержения того же типа, что было Везувия, называются "плиниевскими".

Gata: Царапка пишет: Сегодня по историческому телеканалу «365 дней ТВ» показали фильм BBC "Последний день Помпей" Царап, про фильмы надо в тему исторического кина, но поскольку тут говорили о картине Брюллова, то этот пост не буду переносить. Фильм упомянутый видела несколько лет назад, и несмотря на мощь современных изобразительных средств, скажу, что Брюллова ВВС не переплюнули. Картина обладает фантастической энергетикой.

Царапка: Я из-за картины рассказ о фильме здесь и разместила - Плиний-младший в обоих сюжетах.

Gata: Сто раз видела чету Арнольфини на репродукциях (в оригинале пока не довелось), но никогда не вникала в детали, думала себе - семейный портрет и семейный портрет, ничего особенного. Оказалось, что эта картина - целый культурно-исторический пласт. Избавиться от невежества в сем вопросе мне помог, будете смеяться, детектив - "Фламандская доска". Детективчик ерундовенький, на скрасить вечерок или поездку, но поскольку речь в нем шла о произведении ранненидерландской живописи, то я решила почитать про этот период, а Ян ван Эйк (Jan van Eyck, 1385/1390—1441) занимает в нем почетное место. По всеобщему признанию, наиболее смелые открытия, обозначившие перелом в художественном развитии (человечества), принадлежат ему. Ван Эйка считают изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их. Но именно после него масло получило всеобщее признание, масляная техника стала традиционной для Нидерландов; в XV в. пришла в Германию и во Францию, оттуда — в Италию. Самое крупное и знаменитое произведение ван Эйка — Гентский алтарь, грандиозный многоярусный полиптих из 24 картин с изображением 258 человеческих фигур. Но меня куда больше увлекли супруги Арнольфини. Надеюсь, вам будет так же интересно, как было мне :) Ян ван Эйк создал своё полотно с почти рефлектирующей поверхностью, используя тонкие прозрачные слои краски, положенные один поверх другого. Это фламандская манера многослойного письма, позволяющая достигнуть глубины и богатства цвета. Насыщенные сверкающие краски помогли художнику подчеркнуть реализм происходящего и показать богатство и материальное изобилие мира Арнольфини. Ван Эйк использовал преимущество того, что масло сохнет значительно дольше темперы, применив технику мокрого по мокрому. Он наносил новые слои краски на ещё не высохшую поверхность, чтобы достичь игры света и тени, создающей иллюзию трехмерного пространства на картине. Он также передал эффект прямого и рассеянного света, показав падающий из окна и рефлектирующий от различных поверхностей свет. Предполагается, что он использовал увеличительное стекло, для того чтобы изобразить мельчайшие детали, такие как блики на янтарных чётках, висящих рядом с зеркалом. Супружеская пара, изображённая на картине, богата. Это особенно заметно по одежде. Она — в платье, отороченном мехом горностая, с длинным шлейфом, который при ходьбе должен был кто-нибудь нести. Он — в мантии, отороченной, может быть, даже подбитой, норкой или соболем, по бокам с разрезом, что позволяло ему свободно двигаться, действовать. То, что этот человек не принадлежит к аристократии, видно по его деревянным башмакам. Господа, чтобы не испачкаться в уличной грязи, ездили верхом или в носилках. Этот иностранный купец жил в Брюгге в аристократической роскоши, у него были восточные ковры, люстра, зеркало, верхняя часть окна его дома была остеклена, и на столе у него лежали дорогие апельсины. Однако комната по-городскому узка. Кровать доминирует в обстановке, как и обычно в городских покоях. Днём занавес на ней поднимался, и в комнате принимали гостей, сидя на кровати. Ночью занавес опускался, и возникало закрытое пространство, комната в комнате. Женщина бережно кладёт свою правую руку в левую руку мужчины. Это соприкосновение выглядит очень церемониально, художник изобразил его почти в центре картины, придавая, таким образом, ему особое значение. Оба стоят очень торжественно в окружающей их обыденной обстановке, шлейф платья у женщины аккуратно расправлен, а мужчина поднял правую руку для клятвы. Соединение рук и слова клятвы были во времена ван Эйка явным свидетельством происходящей брачной церемонии. В XV веке ещё не нужно было присутствие священника и свидетелей, чтобы сочетаться законным браком. Это можно было сделать в любом месте, например, как здесь — в спальне. Обычно на следующий день супруги вместе шли в церковь, что являлось доказательством того, что они стали мужем и женой. Свидетели, которых мы видим в зеркале, нужны были, что было обычным явлением для хорошо обеспеченных людей, для заверения письменного брачного контракта. Невеста на картине одета в роскошное праздничное платье. Белое подвенечное платье вошло в моду только с середины XIX века. По мнению некоторых исследователей, её округлый живот не является признаком беременности, а вместе с высоко перетянутой маленькой грудью отвечает представлениям об эталоне красоты в эпоху поздней готики. Также количество материи, которое ей приходится носить, соответствует моде того времени. По мнению исследователей, это не более чем ритуальный жест, в соответствии с современными отношениями к семье и браку, предназначавшийся для обозначения плодовитости, поскольку двойной портрет был написан по случаю свадьбы этой пары. В то время в Европе господствовала бургундская мода, что связано с сильным политическим и культурным влиянием Бургундского герцогства. При бургундском дворе не только женская, но и мужская мода была экстравагантной. Мужчины носили тюрбаны и цилиндрические шляпы чудовищных размеров. Руки у жениха, так же как и у его невесты, белы и ухожены. Его узкие плечи указывают на то, что он не должен был своей физической силой добиваться высокого положения в обществе. Картина является визуальным доказательством свадебной церемонии, более того, она даже «работает» как брачное свидетельство. Живописец подписывает свою работу не как автор, а как свидетель. Возможно, он изобразил в зеркале самого себя, в виде фигуры в тюрбане и синем одеянии, переступающим порог комнаты рядом со 2-м свидетелем. Это особенно важно для церемонии без священника. Не исключено, что брачный контракт был необходим в случае Арнольфини, так как очевидно, что речь идёт о «браке левой руки». Жених держит левой рукой руку своей невесты, а не правой, как того требует обычай. Такие браки заключались между неравными по социальному положению в обществе супругами и практиковались вплоть до середины XIX века. Обычно это была женщина, происходившая из низшего сословия. Она должна была отказаться от всех прав на наследство для себя и своих будущих детей, а взамен получала определённую сумму после смерти мужа. Как правило, брачный контракт выдавался на следующее утро после свадьбы, отсюда пошло название брака — морганатический от слова морген (нем. morgen - утро). Ван Эйк изображает интерьер с деревянным полом как свадебную палату, добавив, благодаря своему реалистичному изображению объектов в комнате, множество скрытых смыслов, и создавая теологический и моральный комментарий на имевшее место событие. На оси симметрии картины находится зеркало, которое висит на задней стене комнаты. Десять медальонов с изображением Страстей Христовых украшают его раму. Особенно интересно расположение миниатюр, поскольку со стороны мужчины Страсти христовы связаны с живыми людьми, а со стороны женщины — с мертвецами. Зеркало в городском интерьере было необычным явлением во времена ван Эйка, обычно вместо него использовался полированный металл. Плоские зеркала были по карману только высшей аристократии и считались драгоценностью. Выпуклые зеркала были более доступны. По-французски они назывались «колдуньями», поскольку мистическим образом увеличивали угол обзора у наблюдателя. В зеркале, изображённом на картине, можно увидеть потолочные балки, второе окно и две фигуры людей, входящих в комнату. Люстра, висящая над головами жениха и невесты, сделана из металла — типично для Фландрии того времени. В ней горит только свеча над мужчиной, а над женщиной свеча погасла. Этот факт некоторые исследователи объясняют тем, что портрет супруги Арнольфини посмертен, и она умерла при родах. Ещё один вариант символики: в средневековье во время брачных процессий впереди неслась одна большая горящая свеча, либо свеча торжественно предавалась женихом невесте. Пламя горящей свечи означало всевидящего Христа — свидетеля брачного союза. Собачка, вечный символ преданности считалась признаком благосостояния, а также символом верности. На могилах того времени часто встречается лев, символ мужества и силы, в ногах у мужчин и собачка в ногах у женщин. Только от женщины, очевидно, ожидалась супружеская верность. Маленькая собачка — это предок брюссельского гриффона. Тогда нос гриффона ещё не имел современного укороченного вида. Жених изображен стоящим босиком на деревянном поле, его деревянные сабо валяются рядом. Ноги невесты прикрыты платьем, но вторая пара обуви видна на заднем плане рядом с кроватью. Для современников ван Эйка сандалии и деревянные башмаки содержали указание на Ветхий Завет: И сказал Бог: не подходи сюда; сними обувь твою с ног твоих, ибо место, на котором ты стоишь, есть земля святая («Исход», 3:5) Когда жених и невеста совершали обряд бракосочетания, для них и простой пол комнаты был «святой землёй». По одной версии, апельсины, находящиеся на подоконнике и на табурете у окна, могут рассматриваться как знак плодовитости. Поскольку на языке многих народов Северной Европы апельсин буквально означает «яблоко из Китая» (напр. нидерл. Sinaasappel), то они символизируют чистоту и невинность, которая существовала в Эдемском саду до грехопадения человека, в то же время, возможно, апельсины просто свидетельствуют о зажиточности супругов. По другой версии, это яблоки. Яблоки лежат на подоконнике как намек на осень и предостережение против греховного поведения. Под люстрой с правой стороны находится деревянная фигура святой Маргариты, поражающая дракона. Она считается покровительницей рожениц. Фигурка закреплена на спинке стула, стоящего у супружеского ложа. Возможно, это ещё одно доказательство беременности женщины. В то же время, возможно, это фигурка святой Марфы, покровительницы домохозяек — рядом с ней висит метёлочка. По другим толкованиям — это отнюдь не метёлочка, а розги. Они представляют собой этимологический каламбур на латинское слово virga («дева»), служащий для подчеркивания мотива девственной чистоты. В народной же традиции он корреспондируется со «стержнем жизни», символом плодородия, силы и здоровья, которым среди свадебных обрядов жениха ритуально стегали, чтобы обеспечить пару благословением большим количеством детей. http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D1%80%D1%82%D1%80%D0%B5%D1%82_%D1%87%D0%B5%D1%82%D1%8B_%D0%90%D1%80%D0%BD%D0%BE%D0%BB%D1%8C%D1%84%D0%B8%D0%BD%D0%B8_%28%D0%BA%D0%B0%D1%80%D1%82%D0%B8%D0%BD%D0%B0,_%D0%B2%D0%B0%D0%BD_%D0%AD%D0%B9%D0%BA,_1434%29

Gata: Если верить Геродоту, жил да поживал в 8 веке до н.э. и правил Лидией царь Кандавл. Ничем особенным не прославился, кроме красавицы жены, которой так гордился, что однажды захотел похвастаться ею своему телохранителю Гигесу. Гигес спрятался в спальне, чтобы подсмотреть, как царица будет переодеваться, но та заметила соглядатая, и сообразила, кто его пустил. Оскорбилась по-царски: на другой день позвала Гигеса к себе и поставила перед выбором - либо он убьет ее супруга и женится на ней, либо будет казнен. Гигес подумал, и решил стать царем :) Сюжет нашел отражение не у одного живописца, в меру понятия каждого о женской красоте :) Жан-Леон Жером, 1859 Уильям Этти, 1820 Теодор Шассерио, 1850 Charles-Victoire-Frederic Moench, 1830е Якоб Йорданс, 1646 Charles Désiré Hue, 1856

Светлячок: Gata пишет: царь Кандавл Полна идиотами не только Россия. Gata пишет: Якоб Йорданс, 1646 За посмотреть на такое надо добровольцам хорошо заплатить.

Царапка: Серьёзная дама, решительная :-)

Алекса: Из представленных картин мне больше всего понравилась картина Жана-Леона Жерома, 1859. Художник не поворачивает к зрителю красавицу, мы только догадываемся насколько она красива. Сам сюжет меня удивил. Какой нормальный муж будет рад показать другому мужчине свою женщину обнаженной? Только человек с извращенной фантазией. Обычно все бывает наоборот. Царь получил по делам своим. Царица тоже еще та гуманистка. Третий участник событий им под стать. Дикая история, ИМХО.

Gata: Мне тоже картина Жерома понравилась больше остальных, которые - под кат :) Хотя у Йорданса, на мой взгляд, самое лучшее исполнение - с какой тщательностью каждая складочка на пологе и на телесах прорисована Ну что делать, если тогда в моде были такие дамы ))) Если не пугают античные страсти, сделаю еще одну подборочку картин на другой известный сюжет.

Царапка: Gata пишет: Если не пугают античные страсти, сделаю еще одну подборочку картин на другой известный сюжет. Ждём-с!

Светлячок: Алекса пишет: Дикая история, ИМХО. Чего так? Мы почти тоже самое видели в БН. Один эксгибиционист предложил другой эксгибиционистке поплясать за ужином и пригласил посмотреть на свой душевный и ее телесный стриптиз лучшего друга. Высокие отношения

Царапка: Светлячок пишет: Один эксгибиционист предложил другой эксгибиционистке поплясать за ужином и пригласил посмотреть на свой душевный и ее телесный стриптиз лучшего друга. Жена и рабыня - две огромные разницы :-)

Gata: Угу, рабыня не может пригрозить казнью, только - стравить мужиков до дуэли :) Но не будем отклоняться от художественной темы.

Царапка: Про рабынь художники тоже помнили. Жером, Жан-Леон. "Невольничий рынок", 1870-е годы.

Светлячок: А, любимая мужская тема. Голая, босая и бесправная.

Царапка: У Жерома целая серия таких картин. Эта мне знакома по Эрмитажу. Художник откровенно салонный. Что любопытно - в эрмитажной изображение натуралистическое, обычно делали идеализированное, а здесь фигура небезупречная.

Gata: Думаю, художника больше волновали женские прелести, чем проблема работорговли :)

Gata: Похищение сабинянок В 753 г. до н. э. Ромул основал город Рим. Первоначально население Рима состояло из одних мужчин, главным образом, молодых. Ромул рассылает в соседние городки посольства с предложением породниться, однако темное происхождение и буйный нрав первых римлян не внушают доверия окрестным жителям. Оскорбленные римляне задумывают и успешно осуществляют знаменитое похищение сабинянок. С этой целью они устраивают знатные игры в честь Нептуна. Среди прочих явилось на праздник многочисленное племя сабинян, с женами и детьми. В самый разгар праздника римляне похищают незамужних сабинянок. Джироламо дель Паккья, ок. 1520 Никола Пуссен. 1637 Питер Пауль Рубенс, 1635-37 Себастьяно Риччи, около 1700 Джованни Баттиста Тьеполо, 18 век Возмущённые соседи начали войну. При помощи дочери начальника капитолийской крепости, Тарпеи, сабиняне завладели Капитолием. Борьба продолжалась очень долго. Сабиняне под начальством царя Тита Тация наконец одолели римлян и обратили их в бегство. Ромул взывал к богам и обещал построить храм Юпитеру Статору (Останавливателю), если он остановит бегущих. В эту решительную минуту сабинские женщины, привязавшиеся уже к своим римским мужьям и имеющие от них детей, с распущенными волосами и в разорванных одеждах бросились между сражавшимися и стали умолять их прекратить битву. Сабиняне согласились, и был заключён вечный мир, по которому два народа соединились в одно государство под верховным главенством Тита Тация и Ромула. Себастьяно Риччи, 1700 Жак Луи Давид, 1799 Карл Наль, 1871

Царапка: Какие на средневековых платьях разрезы! (первая картина)

Светлячок: Gata пишет: Первоначально население Рима состояло из одних мужчин, главным образом, молодых. Интересное кино. А каким образом эти мужчины явились на свет божий? Как пишут атеисты, сами зародились из космического хаоса?

Gata: Царапка пишет: Какие на средневековых платьях разрезы! (первая картина) Я не раз обращала внимание, что художники Ренессанса на своих картинах античных и даже библейских персонажей наряжали в одежку того века, в каком сами творили. Объяснения этому не нашла - видимо, пытались как-то приблизить их к своему времени. Светлячок пишет: Интересное кино. А каким образом эти мужчины явились на свет божий? Как пишут атеисты, сами зародились из космического хаоса? Основав Рим, Ромул стал зазывать туда всех подряд, прельщая правами и свободами, вот и потянулось разное отребье - беглые рабы, разбойники и т.д. Аристократизмом первые граждане Рима не отличались

Царапка: Gata: художники Ренессанса на своих картинах античных и даже библейских персонажей наряжали в одежку того века, в каком сами творили. А потом фоменки всякие уверяют - не было отдельно античности и Ренессанса :-)

Gata: Есть фрески из Геркуланума, есть фрески Джотто, а сколько их разделяет столетий - кто знает :)

Falchi: 12 ноября - день рождения великого французского скульптора Огюста Родена, признанного одним из создателей современной скульптуры. Творчество Родена находится на стыке реализма, романтизма, импрессионизма и символизма. Роден достиг виртуозного мастерства в передаче художественными средствами движения и эмоционального состояния своих героев и в изображении человеческого тела. Среди главных произведений Родена скульптуры «Мыслитель», «Граждане Кале» и «Поцелуй». Рене Франсуа Огюст Роден родился в 1840 г. в Париже в семье мелкого служащего. Художественные способности будущего скульптора проявились в раннем детстве. Мальчик рисовал постоянно — углем на оберточной бумаге, мелом на мостовой и стенах домов. В 1854 г. он поступил в Школу рисования и математики, готовившую мастеров декоративно-прикладного искусства, где его учителем был Гораций Лекок де Буабодран (1805—1902). Трижды Роден поступал в Школу изящных искусств, высшее художественное учебное заведение в Париже, но всякий раз терпел неудачу. В 1864 г. Роден занимался в мастерской при Музее естественной истории у выдающегося скульптора-анималиста Антуана Луи Бари (1796—1875). Затем он работал помощником модного скульптора Альбера Эрнеста Каррье-Беллёза (1824—87), а также изготовлял модели статуэток для Севрской фарфоровой мануфактуры. «Необходимость заработка заставила меня изучить все стороны моего ремесла, — писал впоследствии Роден. — Я... обтёсывал мрамор, камень, работал по орнаменту и в ювелирном деле. Для меня всё это послужило своего рода обучением... я изучил таким образом всестороннее мастерство скульптора». Первая крупная работа мастера — «Человек со сломанным носом» (1864) — была отвергнута Салоном за слишком реалистичную манеру работы. В 1875 г., скопив немного денег, Роден смог впервые поехать в Италию, где познакомился со скульптурами Микеланджело. Работы итальянского зодчего открыли Родену, насколько выразительной может быть пластика человеческого тела. Находясь под влиянием великого мастера, Роден в 1876—77 гг. исполняет одно из самых знаменитых своих произведений — «Бронзовый век». Первоначально статуя называлась «Раненый воин» или «Побежденный». Изобразив с необычайным реализмом, без идеализации и условностей, обнаженного юношу, держащего копье, Роден бросил вызов академическому искусству. Критика обвинила скульптора в том, что он выдал за творческую работу слепок, снятый с натурщика. Лишь вмешательство группы художников положило конец обвинениям. В ходе дальнейшей работы мастер убрал копье и придал статуе символический смысл. Салон 1878 г. принёс скульптору известность. У него появились заказы и своя мастерская. Но главное — получил признание творческий стиль Родена, в основе которого лежали глубокое преклонение перед человеческим телом, понимание, что его формы способны выразить любую идею, настроение или состояние. В 1880 г. французское правительство заказало Родену оформление главных дверей строившегося Музея декоративных искусств в Париже. Названные «Вратами ада», они стали величайшим творением Родена, над которым он работал до конца жизни. «Врата ада» (1880—1917) представляют собой плоский портал с двумя громадными створками. Вся его поверхность покрыта зыбкой пластической массой; приближаясь, зритель видит, что это скопище человеческих тел. Наверху, над вратами, безвольно склонились три Тени, беспомощные и бессильные в борьбе со смертью. Под ними, подперев голову рукой, сидит Мыслитель, в мучительном раздумье пытаясь понять законы человеческого бытия, его окружают другие персонажи. Символически воплощающие мир человеческих страстей, рельефы врат навеяны «Божественной комедией» Данте, мотивами античной мифологии, библейских легенд, поэзии Вийона, Бодлера, Верлена и др. «Врата ада» не были закончены Роденом, но эскизы к ним вызвали к жизни немало прекрасных образов, ставших самостоятельными работами: «Ева» (1881), «Данаида» (1885), «Поцелуй» (1886), «Вечная весна» (1886), «Мыслитель» (1888), «Тень» (ок. 1880), «Уголино» (1882) и др. Одновременно с вратами Роден выполняет памятник гражданам Кале (1884—88). Скульптура была заказана муниципалитетом города Кале в память о подвиге далекого прошлого: во время Столетней войны, в 1347 г., шесть самых уважаемых жителей города добровольно согласились принять смерть, чтобы спасти своих сограждан от гибели, а город от разграбления. Не нарушая композиционной целостности группы, скульптор с необычайным реализмом раскрывает неповторимый характер каждого персонажа, его чувства, мысли и переживания в преддверии надвигающегося конца. Однако произведение Родена оказалось настолько необычным, что заказчик вначале отказался от него. Лишь в 1895 г. композицию отлили в бронзе и установили в Кале. Роден создал большое количество портретных бюстов: писателя Виктора Гюго (1897), драматурга Бернарда Шоу (1906) и др., — в которых предстал наблюдательным человеком и тонким психологом. Последней крупной работой мастера стал памятник Оноре де Бальзаку (1893—97), заказанный ему Обществом литераторов. Выставленная в Салоне 1898 г. статуя вызвала очередной скандал. Только спустя сорок с лишним лет монумент был установлен в Париже на пересечении бульваров Распай и Монпарнас. К открытию в 1900 г. Всемирной выставки в Париже Роден был не только знаменит, но и богат. Он работал вместе с учениками и многочисленными помощниками в шести мастерских и надеялся достойно представить искусство скульптуры, однако организаторы выставки отказались предоставить павильон для его работ. Восемьдесят тысяч франков стоило Родену открытие собственной выставки. Историк и друг скульптора А. Александр писал: «После индивидуальной выставки 1900 г. в павильоне у моста Альма, которую Роден составил из всего, что он выполнил и намеревался выполнить, успех обрушился на него, подобно циклону». После триумфа на выставке Роден снял мастерскую на первом этаже отеля Бирон в Париже. Сюда он перевёз все свои работы, а также коллекции картин, гравюр, античной скульптуры, которые завещал государству. В 1916 г. правительство разрешило ему превратить отель Бирон в Музей Родена. Тогда же Огюст Роден составил творческое завещание потомкам, в котором изложил свои принципы в искусстве. Он, в частности, писал: «Пусть единственной вашей богиней будет природа». Большинство произведений Огюста Родена хранится в музее Родена в Париже, однако существует большое количество их копий в бронзе, мраморе и гипсе, находящихся во владении многих музеев мира. источник

Gata: Рита, спасибо за рассказ о Родене Для меня его творчество ассоциируется с одной работой - "Мыслителем", хотя, конечно, видела фото и других. В оригинале не довелось, к сожалению. Понимаю, почему некоторые из его творений вызывали скандал Памятник Бальзаку ужасен, имхо. Даже если и верно передает характер оригинала. Читала еще когда-то о драматической судьбе талантливой ученицы Родена, Камиллы Клодель.

Gata: Как широко известно в узких кругах, Рембрандту вообще-то заказали не шедевр, а обыкновенную групповую фотографию, и не вина заказчиков, что они нарвались на Рембрандта "...Когда Микеланджело жил во Флоренции, он много и громко заявлял, что живопись - это полный ацтой, потому что для Настоящего Мужчины Мастера существует СКУЛЬПТУРА. А Леонардо в шелках, кружевах и окружении младых красавчегов глядел на собрата по гениальности в драных портянках снисходительно и вещал, что живопись может передать такие вещи, которые скульптура фиг передаст. Всякие там восходозакаты, сфуматы и ваще луннопейзажное джокондо. На что Микеланджело переходил на личности с указанием, что вот лично Леонардо даже своего миланского коня, уж не говоря о всаднике на нем, так и не доделал. Современные постмодернисты решили обронзовить и отридэшить ряд великих картин, дабы заценили мы, кто из великих все-таки был прав..." http://anna-y.livejournal.com/805522.html http://anna-y.livejournal.com/805890.html

Falchi: Пару недель это стояло в Пушкине

Алекса: Falchi пишет: Пару недель это стояло в Пушкине Когда? Неужели я всё пропустила!

Falchi: В конце октября я была в Царском селе и видела эту композицию.

Gata: Мне нравится эта идея с "оживлением" полотен Хоть, может, и происходит от дефицита собственных идей у скульпторов :)

Алекса: Надо же, я почти не вылезаю с занятий и не знала про выставку. Обидно.

Gata: Художницы эпохи Ренессанса Софонисба Ангиссола Автопортрет (1556) http://blogs.mail.ru/mail/lidlud/4AC9B51EB158B7BB.html Лавиния Фонтана Автопортрет (1577) http://www.artitaly.ru/art/f/fontana/main.htm Барбара Лонги Автопортрет (1589) http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9B%D0%BE%D0%BD%D0%B3%D0%B8,_%D0%91%D0%B0%D1%80%D0%B1%D0%B0%D1%80%D0%B0 Мариетта Робусти Автопортрет (1580) http://izoselfportrait.narod.ru/simple71.html Катерина ван Хемессен Автопортрет (1548) http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A5%D0%B5%D0%BC%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B5%D0%BD,_%D0%9A%D0%B0%D1%82%D0%B5%D1%80%D0%B8%D0%BD%D0%B0_%D0%B2%D0%B0%D0%BD Левина Терлинк Елизавета Английская. Миниатюра (1565) http://www.liveinternet.ru/journalshowcomments.php?jpostid=187574252&journalid=4000579&go=next&categ=0 http://en.wikipedia.org/wiki/Levina_Teerlinc

Царапка: Богатая компания. Я из них знала только Софонисбу ;)

Gata: Все в основном - дочери художников. И писали довольно неплохо, только Катерина и Левина с пропорциями не очень дружили :)

Роза: Царапка пишет: Я из них знала только Софонисбу А я Лавинию Фонтана.

Царапка: История талантливого фальсификатора, или жадность фраера сгубила. Простой каменотёс, человек без специального образования из Кремоны (земляк Софонисбы Ангиссолы и знаменитых скрипичных дел мастеров - Амати, Страдивари, Гварнери), ваял в стиле мастеров Возрождения, но никому не мог продать свои работы, кроме двух жуликов-антикваров, выдававших их за подлинники. Антиквары разбогатели, скульптору платя гроши. Когда у Альчео Доссены умерла жена, не хватило денег на похороны - но антиквары отказались помочь, на чём и погорели. Доссена обратился к адвокату - остальное было делом времени. Поскольку он свои работы за подлинники не выдавал, в тюрьму сели перекупщики. И поделом.

Gata: Любопытная история. В одном из сюжетов "Следствие ведут знатоки" фигурировал похожий самородок, ваял под Фаберже для компании мошенников за скромный процент. Потом не выдержал, сам явился в органы с повинной - пусть, говорит, отсижу, зато все будут знать, что я сам могу не хуже Фаберже )))))

Царапка: Gata пишет: в "Следствие ведут знатоки" фигурировал похожий самородок, ваял под Фаберже для компании мошенников за скромный процент. Его Караченцев играл. Его герой восхищался дамой-искусствоведкой, пользовавшейся большим авторитетом. И однажды она взахлёб при нём расхваливала одну его работу (якобы Фаберже), низко оценивая другую, которую он ей сказал - сделал сам. Мне нравится ещё сцена из фильма "Визит к Минотавру". К скрипичному мастеру - молодому Страдивари - заходит клиент и предлагает невысокую цену за его инструменты. Тот возмущается "Амати вы платите больше, а мои инструменты не хуже!". Клиент соглашается: "Не хуже, особенно эта виолончель. Но второй Амати никому не нужен. Станьте выше Амати, и вам будут платить как Страдивари, а пока - я предлагаю хорошую цену".

Gata: Царапка пишет: второй Амати никому не нужен. Станьте выше Амати, и вам будут платить как Страдивари Мне оттуда запала сцена с лаковарением: "Сегодня ты сварил лак Страдивари, и он лучше лака Амати" :)

Царапка: Мне казалось иначе - Страдивари подумал, что сумел разгадать тайну лака Амати, а на самом деле изобрёл свой лак.

Falchi: Gata пишет: Любопытная история. В одном из сюжетов "Следствие ведут знатоки" фигурировал похожий самородок, ваял под Фаберже для компании мошенников за скромный процент. О человеке по имени ван Меегерен что-нибудь слышали? Вот это великий был аферист всех времен и народов

NataliaV: Falchi пишет: О человеке по имени ван Меегерен что-нибудь слышали? Я только помню, что этот художник создавал подделки из мстительных соображений. Было задето его тщеславие.

Falchi: Он был неплохим художником с большими амбициями, но его выставки жестоко осмеяли критики и коллекционеры. И тогда он пошел другим путем - долгие годы изучал технику старых голландских мастеров, эксперементировал с технологиями лаков и красок, чтобы состарить их, делал искусственные кракелюры и т.д. В итоге ему удалось создать огромное количество "Вермееров" "Хальсов" которые даже опытные искусствоведы признавали подлинниками и получить огромные деньги. Его авантюра длилась не один десяток лет, пока случайно не прокололся с подписью. Такая вот изощренная месть - вчерашние метры, отвергшие его работы сами сыпали ему деньги и ели из его рук. Есть предположения, что мнимые голландцы, вышедшие из-под кисти ван Меегерена до сих пор хранятся в частных коллекциях и музеях и выдаются как подлинники, т.к. точное количество подделок проданных по всему миру неизвестно.

Царапка: Читала как-то детектив на тему подделки. Рафаэля подделали, смыв центральную часть некоего полотна 16 века, чтобы картина прошла углеродный анализ. А потом выяснилось, что смыли подлинного Рафаэля.

Gata: Про Меегерена раньше не слышала. Жалко, когда талантливые люди так мелочно разменивают свое дарование, хотя что это за талант, который паразитирует на чужой славе. Зависть, злоба, месть к настоящему искусству отношения не имеют.

Роза: Рита, Диана, спасибо. Отличные же идеи для сериалов. Бери конкретные факты и сочиняй под них сюжет. Нет, у нас из пальца проще высосать.

Царапка: Gata пишет: . Жалко, когда талантливые люди так мелочно разменивают свое дарование, хотя что это за талант, который паразитирует на чужой славе. У них талант как раз имитаторов.

Роза: Дама с...

Алекса: Розик, какая подборка! Я покупаю в твоей галерее картины №№ 5, 10 и 11.

Светлячок: Я выписываю чек за картину № 12 с задумчивой девушкой, почесывающей пёсика.

Gata: А мне №2 приглянулся - дамочка стравила двух кавалеров и отдыхает с чувством выполненного долга, песик явно гордится хозяйкой И еще мохнатое чудушко под мышкой у №9

Светлячок: Gata пишет: дамочка стравила двух кавалеров и отдыхает с чувством выполненного долга И хто бы это мог быть?

Царапка: Gata пишет: стравила двух кавалеров и отдыхает с чувством выполненного долга, Наверное, убежала от их надоевших разборок. Мне нравится рыжий пушистик №3, прям чувствуется меж возле кожи, и труженицы №4, 6.

Gata: Светлячок пишет: И хто бы это мог быть? Судя по защитительной речи Царапки...

Светлячок: Gata пишет: Судя по защитительной речи Царапки... А еще нам предъявляет, что мы эту, как её..., не любим.

Царапка: Gata: Судя по защитительной речи Царапки... А почему защитительной? О чём вижу, о том пою. Устала девушка, прилегла отдохнуть. От чего в те времена уставали окорсетенные особы? Явно не от мытья полов.

Gata: Царапка пишет: От чего в те времена уставали окорсетенные особы? Явно не от мытья полов. Судя по бледно-зеленому виду №10, от ношения корсета Роза, спасибо за подборку Богатое разнообразие фасонов, эпох и комнатных любимцев (включая любителей рапиры)

Мод: Сегодня побывала на вернисаже моего любимого художника Виталия Михайловича Воловича. Он и его творчество - потрясающие. Люблю его серии "Слово о полку Игореве", "Средневековье", "Моя мастерская". Что сказать? Художник.

Gata: Такого плача Ярославны я еще не видела

Роза: Мне всегда нравились книжные иллюстрации Воловича. С такой книжкой под подушкой я не зависала, но ценю это стиль.

Мод: Совершенно удивительные пейзажи были на выставке из такой себе среднеазиатской темы. А книжная графика - увы! - сейчас искусство уходящее. На выставке были иллюстрированные Виталием Михайловичем книги - красота необыкновенная.

Lana: Москвоский Кремль 1800, проект восстановления облика Кремля начала девятнадцатого века по изображениям художников. По-моему смотрится как-то легче, воздушно парит над рекой. Проект Кремль

Gata: Москва! как много в этом звуке для сердца русского слилось Неужели и правда собираются восстанавливать, или только фотореконструкция? Сказочно прекрасно - как будто белый лебедь, раскинув крылья, парит над землей, золото куполов, Русь Православная, красота и сила. Но есть и другая Россия - красная, парад 7 ноября 41 года, парад Победы. И всё - наша история. Как их совместить, только в сердце.

Lana: Gata пишет: Неужели и правда собираются восстанавливать, или только фотореконструкция? Только фотореконструкция. Эрмитаж зеленый, Кремль красный, так привычно. А на фото полюбоваться как оно было.

NataliaV: Lana , спасибо за ссылку. Интереснейший сайт!

Gata: Вознесенский и Чудов монастыри, наверно, уже не восстановить, но хоть бы снесли уродский дворец съездов, оскорбляющий облик Кремля. Эх...

Бреточка: Я сразу даже не узнала

Gata: Кто из нас не баловался вышивкой, крестиком, или гладью А слабо вышить коврик длиной в 68 метров? :) Прошу восхититься - гобелен из Байё (англ. Bayeux Tapestry; фр. Tapisserie de Bayeux) — памятник средневекового искусства, представляющий собой вышивку по льняному полотну шириной 48/53 см и длиной 68,38 м. Изображает сцены подготовки нормандского завоевания Англии и битвы при Гастингсе, создан в конце XI века. Меня потрясли не только и не столько размеры, как то, что коврик до сих пор не сгнил, не истлел. Гобелен вышит на льняном полотне шерстяными нитями разных цветов: терракотового (жёлтого, красного), сине-зелёного, тусклого золотого, оливково-зелёного и голубого, с небольшим количеством синего, чёрного, а также шалфейно-зелёного. При вышивке применялись техника тамбурной строчки, техника стебельчатого шва, а также простой «набор». http://france-guide.livejournal.com/32596.html http://mystage.ru/?p=163

Роза: Когда нет интернета, ТВ и даже телефона, женщины создают такие шедевры

Роза: 130 лет со дня рождения Амедео Модильяни. Я даже самой себе не могу объяснить, что же меня так притягивает в его картинах.

Gata: А мне из всего наследия Модильяни нравится только портрет Ахматовой. Хоть и не до таких степеней, как этой девушке с фото :)

Falchi: Девушке с фото нравится портрет кисти Альтмана. Или я что-то не так поняла? Модильяни, портрет Ахматовой:

Gata: Вот что значит - не суйся судить о том, в чем ни фига не понимаешь Всю жизнь считала, что это Модильяни, даже не подумала проверить :) Ритуля, спасибо, что публично ткнула носом, впредь буду внимательнее.

Falchi: Gata пишет: публично ткнула носом Я не хотела, честно. Просто немного растерялась и даже начала искать на фотографии Модильяни, думала, может я что-то не замечаю. Gata пишет: Всю жизнь считала, что это Модильяни, даже не подумала проверить :) Со всеми бывает.

Gata: Да понятно, что со всяким может случиться, но все равно стыдно :) Пришлось сегодня в поучительных целях почитать-посмотреть про Модильяни и Альтмана - так что не без пользы день прошел, а то бы еще где-нить квакнула, припозорилась

Царапка: альтмановский портрет Ахматовой очень хорош, у меня долго висел календарь с ним. А другие работы Альтмана не запомнились.

NataliaV: Сегодня на даче перебирала старые папки с репродукциями, и первая, которую нашла - этот портрет Ахматовой.

lidia: В детстве портрет Анны Ахматовой висел в спальне моих родителей. Но стихи её никто наизусть не декламировал.

Gata: Он-лайн игрушка на знание изобразительного искусства. Для победы надо отгадать десять живописцев подряд, если ошибся - начинай сначала :) У меня получилось с третьего или четвертого раза. Особенно комментарии доставляют http://artchallenge.ru/

Falchi: А мне понравилось, что на большой части картин стоит подпись автора. Или предлагают икону с вариантами ответов кроме Грека - Кустодиев, Верещагин, Дега))

Мод: Дорогая Gata, большое спасибо за такую интересную и полезную ссылку. Не всё здесь так просто. Я помню, как мы перед экзаменами сотнями просматривали иллюстрации, а потом наши замечательные преподаватели откуда-нибудь из рукава доставали образчик бидермейер, и ты его "на раз" путал с ранним романтизмом или импрессионизмом. Пора заняться самообразованием!

Gata: Рита, Мод, рада, что вам тоже было интересно Мы с коллегами просто захотели проверить эрудицию - кому-то знакомый прислал эту игрушку на ящик, и понеслось. Никто из нас в художественные кружки не ходил, специальных знаний не имеет, просто где-то когда-то что-то читали, видели в музеях или по тв. Где не хватало знаний, помогал метод исключения, как Рита заметила про Грека и Дега&Cо :) Кстати, эта игрушка хороша и в качестве тренажера для восполнения имеющихся пробелов.

Gata: А Шарлотта Бронте, оказывается, еще и рисовала :) Портрет сестры Энн "Атеист созерцает мертвое тело своей жены" Остальные художества Шарлотты, а также ее сестриц тута.

NataliaV: У меня нет таланта к живописи, рисую я крайне убого, поэтому мне всё понравилось. Если придираться, то, конечно, можно увидеть, что нет школы, но разве это так важно, когда есть "Грозовой перевал" и "Джейн Эйр"?

Gata: А ведь лет через сто и это будет считаться ценным художественным наследием http://www.liveinternet.ru/users/helanoistenet/post113390250/

Gata: Про моих любимых макак :) Габриель фон Макс (1840-1915) был бы просто немецким символистом и одним из перезрелых романтиков конца XIX века, если бы не его мартышки. Старый морализатор пытался их втиснуть в рамки назидательных человекоподобий, но отношение самого художника к ним было иное. Грустные звери оставались самими собой, а все по тому, что мартышек Макс любил.

lidia: Замечательные мартышечки! Спасибо!

Gata: На чем только люди не рисуют Итальянский художник Гвидо Даниэле.

Gata: Ко дню влюбленных небольшая подборка на тему - флирт в живописи Pio Ricci Cesare Auguste Detti Кристобаль де Антонио Jules Girardet Otto Wilhelm Eduard Erdmann Marie Francois Firmin-Girard Gioacchino Pagliei Charles Henry Tenre Эдмунд Лейтон Уолтер Мартин Баумхофер (Walter Martin Baumhofer)

Корнет: Gioacchino Pagliei изобразил многообещающий момент :)

Мод: Гата, спасибо. Жан Оноре Фрагонар Поцелуй украдкой Качели

Lana: Увидела этот горшок, подумала как все в искусстве относительно, или просто всякие "-измы" не люблю. Известный специалист по антиквариату по ошибке оценил глиняный горшок, сделанный школьницей на уроке труда, в 50 тысяч долларов. Узнав, что поделка изготовлена школьницей - эксперт заявил что признаёт ошибку, но всё же оценивает изделие в 3 - 5 тысячи долларов. Это ещё раз демонстрирует, что слишком высока субъективная составляющая в мнениях экспертов в данной сфере. Американский эксперт по антиквариату оценил кувшин, сделанный на школьном уроке лепки, в 50 тысяч долларов и сравнил его с работами Пикассо. Житель Южной Каролины Alvin Barr обратился на телешоу Antiques Roadshow, где эксперты помогают гостям оценить примерную стоимость различных антикварных предметов. По словам Барра, на распродаже имущества в штате Орегон он обратил внимание на необычный глиняный горшок, покрытый «грязью, соломой и птичьим помётом». Несмотря на потрёпанный вид, Барр заплатил за предмет 300 долларов. Присутствующий на телешоу оценщик Стивен Л. Флетчер (Stephen L Fletcher) заявил, что горшок, вероятнее всего, был создан в конце 19 века и оценил его в сумму от 30 до 50 тысяч долларов. "Вы можете видеть здесь нечто похоже на работу Пабло Пикассо", сказал он. После телеэфира Флетчер узнал, что жестоко ошибся. Как оказалось, горшок был сделан в 1973 году на школьном уроке лепки. Об этом сообщила жительница США, которая во время просмотра телепередачи узнала работу своей подруги по имени Бетси Соул (Betsy Soule). Соул рассказала местной газете, что создала этот горшок в промежутке между 1973 и 1974 годом. " Я была очень впечатлительным ребёнком с хорошим воображением". После обнаружения ошибки Флетчер изменил свою оценку и заявил, что произошедшее стало для него "познавательным опытом". Флетчер заявил: "Эта работа с шестью гротескными лицами была выполнена с немалым воображением, а также высокой виртуозностью и технической компетентностью. Признаю, я ошибся в оценке возраста на 60-80 лет. Однако, основываясь на качестве работы и её художественной ценности, я оцениваю её в 3-5 тысяч долларов. Очень даже неплохо, для школьницы из Орегона." ссылка на видео Источник.

Алекса: Славный горшок, между прочим. Неординарный. И как некрасиво засуетились, когда выяснилось, что это не Пикассо.

Gata: Я поклонница понятного искусства, не заставляющего вздрагивать от ужаса по ночам :)) А что до компетентности некоторых экспертов, вспомнился эпизод из древней незабвенной "Санта-Барбары" - один из героев решил подшутить над своей подружкой-художницей и соорудил на пустом столике в музее инсталляцию из мятой пивной банки и еще какого-то мусора. Художница приняла его за шедевру

Lana: Вряд ли шумиху раздували. Не могу восхищаться, или даже как-то оценивать творчество Пикассо, или Кандинского. Потому статья об эксперте убедила не париться, не всегда в условно общепризнанном искусстве есть выдающийся талант. Горшок интересный, особенно если знать, что его сделала школьница.

Царапка: Gata пишет: "Атеист созерцает мертвое тело своей жены" И косит под Байрона. Давненько я здесь не была...

ИринаЛ: Почему-то захотелось поделиться, а тут и тема подходящая оказалась. Правда, последнее сообщение аж 2016 года, но мне не впервой выступать на этом форуме в роли некропостера, так что я всё-таки рискну. Итак, вопреки всем коронавирусам всё-таки открылась выставка «Альбрехт Дюрер. Шедевры гравюры из собрания Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии»! Открылась она в Историческом музее ещё 30 марта, но я решила написать об этом сегодня, потому что наткнулась на любопытный обзор: Больше 120 самых известных в мире гравюр! Остаётся надеяться, что до 28 июня я каким-нибудь образом окажусь в Москве...

NataliaV: Как бы я хотела оказаться на этой выставке! Но, увы, даже дело не в расстоянии, а в том, что вирус никуда не делся и приходится сидеть на попи ровно и наслаждаться шедеврами только виртуально.

Gata: Читала про эту выставку в своей ленте. Подержать бы хоть одну гравюрку или хотя бы карандашный набросок в руках, вдохнуть аромат веков, пальчиками пощупать... Но - приходится довольствоваться видеообзорами, и не только по причине пандемии или удаленности от культурных столиц

ИринаЛ: Gata, какие-то 600 штук вечно-зелёных - и любуйся на здоровье. Трогай, нюхай, ни в чём себе не отказывай))) Гравюра Альбрехта Дюрера «Четыре всадника Апокалипсиса» ушла с аукциона Christie’s за $612 тыс. в Нью-Йорке.

полная версия страницы